断臂维纳斯
卢浮宫有三件价值连城的传世之宝，而这第一件就是爱神维纳斯雕像！
话说这断臂的维纳斯是希腊神话中的神，代表着爱与美。女神维纳斯的雕像是一座高203厘米，用两块大理石在身躯裸露部分与裹巾相邻处拼接而成。作为一座圆雕，这座雕像可四面欣赏，不论从哪个角度看，都有统一而富于变化的美。尽管世人见到的维纳斯双臂残缺，但仍然使人感到一种完整的美，以至于很多人想复原维纳斯的双臂，却都在原作面前黯然失色。
断臂维纳斯是1820年在希腊爱琴海米洛岛的山洞里被发现的，一百多年来一直被公认为希腊女性雕塑中最美的一尊。她像一座纪念碑给人以崇高的感觉，庄重典雅；但同时又倍感亲切貌美婀娜体态万方。丰满的胸脯，浑圆的双肩、柔韧的腰肢，都呈现出一种成熟的女性美。雕像的躯体采取螺旋状上升的趋向，略微倾斜，各部分的起伏变化富有音乐的节奏感；下肢用衣裙遮住，从舒卷自然的衣褶中显示出人体的动态结构，给雕像增添了丰富的变化和含蓄的美感。
当这座雕像后来被法国获得时几乎全国都沸腾了，把她看作国宝收藏在卢浮宫里，成为卢浮宫的“镇馆之宝”。法国大艺术家罗丹这样说到：“这件作品表达了古代最了不起的灵感，她的肉感被节制，她的生命的欢乐被理智所缓和。”维纳斯半裸的躯体和半落的衣衫既展示了肉体的美，又有所遮蔽和节制。它让人们的注意力集中于人物的内在神韵，而不仅是外在的肉体。这的确是思落天外的天才艺术的表达手法。
来到卢浮宫的断臂维纳斯前抬头欣赏，只见那美神的表情落落大方，宁静而脱俗，脸上是一丝淡得几乎让人察觉不到的微笑，发散出一种超凡脱俗的美。正是这种超然的神态控制了赤裸的身体可能带来的纯肉体的感官愉悦，将人的心灵世界提高到了一个新的审美理想的境界。正是因为失去了双臂，她不再是神话中妒忌成性的美神，而是一个纯洁、高尚、典雅的女人，一个真正意义上的美神。
这座雕像的基座上刻有铭文：“美安德罗河畔、安屈克亚的阿历山德罗斯作”。经过专家的解读和确认，认为这座雕像是希腊雕刻家阿历山德罗斯在公元前100年左右的作品。
维纳斯在人们的心目中代表了女性身材、体格最完美的标准。可以说维纳斯是当今各种选美比赛的渊源。她的体形符合希腊人关于美的理想与规范，身长比例接近利西普斯所追求的人体美标准，即身与头之比为81。由于8为3加5之和，这就可以分割成135，这就是著名的“黄金分割率”（Golden Mean），这个比例成为后代艺术家创造人体美的准则……
胜利女神像
这座雕像整个动势结构十分完美生动，雕刻技巧高超，雕像在形式上已转向世俗化、戏剧化和形象的人格化，并以传达人类心理和激情力量为其特征。雕像屹立海边山崖之巅，迎着海风，那前倾展翅欲飞之态，被海风吹拂的衣裙贴着身体，可隐见女性人体的完美，衣裙褶纹构成疏密有致生动流畅的运动感，呈现出生命的飞跃。
希腊雕像充满着生命，即使残缺也是活物，人们在想象中弥补了残缺，获得了完满的审美享受。虽然胜利女神是希腊雕塑中的常见题材，但这一尊却与众不同。雕像的构思十分新颖，底座被设计成战船的船头，胜利女神犹如从天而降，在船头引导着舰队乘风破浪冲向前方，既表现了海战的背景，又传达了胜利的主题。
虽然女神的头和手臂都已丢失，但仍被认为是古希腊雕塑家们高度艺术水平的杰作，不论从哪个角度，观赏者都能看到和感受到胜利女神展翅欲飞的雄姿。她上身略向前倾，那健壮丰腴、姿态优美的身躯，高高飞扬的雄健而硕大的羽翼，都充分体现出了胜利者的雄姿和欢乎凯旋的激情。海风似乎正从她的正面吹过来，薄薄的衣衫隐隐显露出女神那丰满而富有弹性的身躯，衣裙的质感和衣褶纹路的雕刻令人叹为观止。
作品的构图也十分成功，向后飘扬的衣角和展开的双翅构成了极其流畅的线条，腿和双翼的波浪线则构成一个钝角三角形，加强了前进的态势。艺术家在作品中表现出了极高的艺术技巧和表现力，他仿佛赋予了冰冷的石头以生命般勃起的活力，令后人在面对这部高度现实主义和浪漫主义结合的杰作时不禁发出由衷的慨叹。
《蒙娜丽莎》
《蒙娜丽莎》是文艺复兴时代画家列奥纳多·达·芬奇所绘的丽莎·乔宫多的肖像画。法国政府把它保存在巴黎的卢浮宫供公众欣赏。
2012年7月17日，意大利考古学家日前声称找到了疑似修女丽莎・盖拉尔迪尼的遗骨。对《蒙娜丽莎》原型的身份，各界众说纷纭，不过丽莎・盖拉尔迪尼即为“蒙娜丽莎”的说法得到普遍认同。英媒称，通过对这具遗骨的还原，或许能帮助人们揭开“蒙娜丽莎微笑之谜”。2014年2月，研究人员对16世纪意大利佛罗伦萨贵妇丽莎·格拉蒂尼的骨骼DNA测试表明，她可能是《蒙娜丽莎》作品中的原型模特。
《蒙娜丽莎》是一幅享有盛誉的肖像画杰作。它代表达·芬奇的最高艺术成就，成功地塑造了资本主义上升时期一位城市有产阶级的妇女形象。画中人物坐姿优雅，笑容微妙，背景山水幽深茫茫，淋漓尽致地发挥了画家那奇特的烟雾状“无界渐变着色法”般的笔法。画家力图使人物的丰富内心感情和美丽的外形达到巧妙的结合，对于人像面容中眼角唇边等表露感情的关键部位，也特别着重掌握精确与含蓄的辩证关系，达到神韵之境，从而使蒙娜丽莎的微笑具有一种神秘莫测的千古奇韵，那如梦似的妩媚微笑，被不少美术史家称为“神秘的微笑”。达·芬奇在人文主义思想影响下，着力表现人的感情。在构图上，达·芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形，蒙娜丽莎就显得更加端庄、稳重。另外，蒙娜丽莎的一双手，柔嫩、精确、丰满，展示了她的温柔，及身份和阶级地位，显示出达·芬奇的精湛画技和他观察自然的敏锐。另外蒙娜丽莎的眉毛因化学反应而不见了，背景曾有蓝天。据考证，蒙娜丽莎的微笑中含有83%的高兴，9%的厌恶，6%的恐惧，2%的愤怒……
卢浮宫Pavillon Turgot大厦，南面山墙的雕塑和女雕像柱子，作者Eugene Guillaume
《方片A的作弊者》乔治·德拉图尔最著名的作品之一，约在1635年完成。
《方片A的作弊者》画中有四个人围着桌子而坐，三个人正在打牌，有一位女朴正给女主人拿来酒，而作弊的正是左边那位从背后拿出方块A的男子。受害的是坐在右边的那位年轻人，由他的穿著可以知道光鲜亮丽的绸缎衣着下有着稚气味脱涉世未深的气质，中间打扮入时的美丽妇女，眼神透露着这场计谋的上演。这是当时盛行的一些风俗画，显示出当时人们的生活与社会风气……
《克罗顿的米隆》7世纪法国雕塑家皮埃尔·皮热于1671年开始创作《克罗顿的米隆》，直到1682年才完成。
克罗顿的米隆，公元前6世纪生于意大利的克罗顿（当时为希腊殖民地），希腊运动员，他曾多次获得奥林匹克运动会和皮同运动会的冠军。年老以后，为了看看自己是不是还老当益壮，他尝试劈开一根已裂缝的树干。他的手夹在了树干中，动弹不得，最后不幸被狼群撕吞。在这件雕塑中，艺术家用更高贵的动物——狮子替代了狼群，创造出极富戏剧性的效果……
《织花边的少女》这幅大名鼎鼎的作品出自十七世纪的荷兰大画家维梅尔之手。画中人物专注的神情以及用浅灰背景提色的手法都堪称经典。
画中的女子一看便知属于维梅尔出生地——台夫特（Delft）的小资产阶级，她正全神贯注于手中的花边活计。女子在缝纫台上摆弄着纺锤、别针和绣线。左边缝纫包的色彩十分绚丽，里边可以放置各种缝纫用具。花边活计是荷兰文学和绘画作品中屡见不鲜的表现主题，是用来表现妇德的传统方法。但正如维梅尔的另一幅著名作品《倒牛奶的侍女》（la Laitière）（藏于阿姆斯特丹国立博物馆）一样，这幅画也带有日常生活的深刻烙印，吸引着画家。维梅尔钟情于观察身边的生活用具，并将它们放入自己的作品当中。
虽然画中人物给人一种近在咫尺的感觉，其实观者并无法真正进入织花边女子的世界：帷幔、缝纫包和花边活计，以及那一方小小的缝纫台都把观者和画中少女相隔两个世界。维梅尔作品中的这种“静谧的诗意”，令画中人物仿佛生活在一个完全不同的世界里，温柔明净的丝丝光线轻柔地摩挲着画中的物品。这件极具代表性的绘画珍品色彩和谐，令大师梵高（Van Gogh）也为之倾心。他在1888年寄给朋友的一封信中描述了“柠檬黄、淡蓝和珍珠灰的和谐”之美。印象派画家雷诺阿（Renoir）则将这幅1870年来到卢浮宫的《织花边的少女》视为世界上最动人的画作，可与卢浮宫的另一藏品——华托（Watteau）的《朝圣西苔岛》（Pèlerinage à l’île de Cythère）相媲美。
破壶格瑞兹法国油画椭圆108×86.5厘米现藏巴黎卢浮宫
“破壶”，是法国民间俗语，即少女失去童贞的象征。就这一含义来说，画上的主人公应是一个受谴责的对象。但在这个时髦的椭圆形画框里展现的，却是一个十分可爱、秀丽多姿的妙龄淑女。画中用色匀称，笔触细腻，素描是古典主义风格的。而挂在这位显得天真、纯洁的少女的右腕上的那只破壶，反而成了不引人注意的细节。从背景的处理到人物衣纹的严格描绘来看，这幅肖像画是一幅十足的学院派风格的古典油画。当这幅画展出时，引起公众的强烈反应，提高了画家在画坛的地位。《破壶》的模特儿原是画家追慕中的少女，不久，画家正式娶了这位使他一举成名的姑娘。
土耳其浴室安格尔油画1862年直径108厘米现藏卢浮宫
《土耳其浴室》在描写女性人体技巧方面达到了顶峰。画面上，一群在土耳其宫廷浴室里的少女，正悠闲自在地享受沐浴给她们带来的欢乐。安格尔用熟练的笔触，优美的线条，柔和、富有变化的色彩，画出约20个女人体。她们在浴室中的不同动势和情态，组成一幅统一和谐的生活画面，这充分显示了画家的匠心独运。他有意在浴女中安插了一个黑人侍女，更加强了画面色彩的对比效果。《土耳其浴室》不仅给人们展示了女人的曲线和青春的活力，它还使人们感受到一种诗意、一种旋律，让人享受到安格尔绘画艺术的甜美。通过《土耳其浴室》的创作过程，人们还可以了解安格尔对艺术尽善尽美的追求。画面最初的构思是方形的，后来变成圆形。此外，画中人物的变化也很大，如靠近黑人侍女的4个坐姿人体，以及正在入水的浴女都是后来加上的。由此可见安格尔创作态度的严肃认真。
女占卜师卡拉瓦乔油画1590年99×131厘米藏巴黎卢浮宫
这是卡拉瓦乔早期风俗画的代表作品，画中描绘的是流浪的吉普赛女占卜，在为一个贵族子弟看手相。这是一个街头常见的风俗场面，人物形象目光相对，那个头戴羽帽的贵族青年以轻蔑挑逗的目光看着女占卜者，而她虽地位低下，却显得庄重自尊，回敬的目光中既真诚又含智慧，对比之下，贵族青年却显出华而不实的肤浅。这是一幅具有肖像性的半身构图风俗画，这种布局形式使人物形象更加简洁突出，由于免去了一切不必要的细节描绘，使人物个性更加鲜明，目光和手势更加引人注目。社会底层的流浪人第一次作为主人走进绘画，这在意大利以往的绘画中还不曾见过。
《自由引导人民》为法国画家德拉克罗瓦最具有浪漫主义色彩的油画作品之一，现收藏于巴黎卢浮宫。该油画又名“1830年7月27日”，以纪念1830年7月27日巴黎市民为推翻波旁王朝的一次起义，该起义从27日至29日，历史上称为“光荣的三天”。
《自由引导人民》描绘的是硝烟弥漫的场面，画面中有受伤的、死去的人，却依然无法掩饰住人们为自由而战的渴望。整幅油画气势磅礴，色彩与明暗对比强烈，结构紧凑，用笔奔放，充分展现了浪漫派绘画的风格特点，具有强烈的感染力。用暗色作为主题，再加上神与人的共同奋斗，给人一种模糊、神秘的感觉。
采取了顶天《自由引导人民》左翼人物的局部画面立地的构图形式。倒在地上的尸体、战斗的勇士以及高举法兰西旗帜的女子，构成一个稳定又蕴藏动势的三角形。象征自由、平等、博爱的三色旗位于等腰三角形的顶点，自由女神的人群的头部的横竖黄金分割线的位置，场面宏伟，构图组织井然有序。他们身后都是一往无前的战士，远处的建筑是巴黎市中心的标志——巴黎圣母院。以一个象征自由的女形神象为主体，德拉克洛瓦的浪漫气质造就了这样一位袒胸露怀的女子形象，招呼着后方的人民，将神话中的自由女神与浴血奋战的人民安排到一起，她长着希腊雕塑般的轮廓，穿着朴素古典的衣着，与周围身穿现代服装的男士们相比，她更像一个抽象的人，代表着最高的精神与意义。紧跟她前后左右的是工人、市民、孩子、学生等。她的右方是一个持着双枪的少年，急速向前奔跑，表现了为了自由全民参战的的情景,他象征少年英雄阿莱尔。一名受了重伤的青年工人正抬头仰望自由女神的三色旗，前景右侧有两名政府军的士兵倒毙在地上，左侧躺着一位为自由而献身的起义者。他们手持武器，踏着血迹和尸体奋勇前进。她的身后有两个工人挥舞着尖刀，表情刚毅，显示出愤怒的神色。人群上方则是阴霾的天空。画家将他本人也画到作品里面，头戴高礼帽，身穿燕尾服，手中紧握长枪，大声疾呼，号召人民以伟大的过去为榜样，起来进行斗争，驱逐外国侵略者。尽管革命遭受挫折，欧洲上空黑云滚滚，坚信革命一定会胜利，自由终将到来，作品成为代表法兰西民族精神的标志……
1831年5月1日，在巴黎展出时，引起轰动。德国诗人海涅为此画写了赞美诗。1831年，这幅画被法国政府收购，在卢森堡宫展出了数月，后因时局变化，还给了画家本人。17年后，1848年法国爆发了二月革命，法国人民要求把此画重新在卢森堡宫展览。同年6月，巴黎工人起义，此画又被政府摘下，理由是具有煽动性。直到1874年才被送入卢浮宫。
盘腿而坐的书吏雕像是卢浮宫古埃及文物部最闻名于世的雕塑之一。虽然它享有盛名，但我们对其所表现的人物一无所知：他的姓名、头衔，甚至是他生活的确切年代，我们都无从知晓。尽管如此，这尊雕像还是深深打动着前来参观的游客。
盘腿而坐的书吏于古王国时期雕刻而成，这段时期起始于约公元前2700年的第三王朝，湮没于约公元前2200年的第六王朝末期。被埃及人视作黄金时代的古王国时期，以其卓越非凡的艺术创作而独树一帜。尽管对其身世来历进行了大量的研究，人们还远远未能解开围绕书吏雕塑的所有谜团。书吏雕像与其他大部分古埃及雕塑不同之处在于，其上没有标明辨别身份的象形文字铭文。实际上，承托书吏雕像的半圆形底座本应镶嵌在另一块更大的题有其名称及头衔的底座里，正如其它收藏于卢浮宫的雕像一般，塞特卡王子雕像（位于22号展厅）恰是例证。但是这个大底座却消失得无影无踪……然而，我们获知书吏雕像是与古王国时期的其他六尊雕塑同时发现的，这些雕塑都于卢浮宫展出。这六尊雕像其中之一名为贝埃尔内弗尔，他生活于第四王朝，第二尊雕像属于宰相卡伊，生活于第五王朝，他的坟墓也位于萨卡拉的同一地点。另外四尊雕像是分管田地的书吏，名为塞凯姆卡，雕像也始于第五王朝。盘腿而坐的书吏雕像是卡伊，贝埃尔内弗尔，还是塞凯姆卡？雕像到底属于其中之一，还是象征着姓名不详的第四位人物？无论他是谁，盘腿而坐的书吏雕像描绘的极有可能是一位非常显赫的达官贵人，可能属于大金字塔时期。
此画是为洛兰在奥顿夏代尔的圣母教堂中建造的一所小礼拜堂而作。1800年在大革命期间被取走并送往卢浮宫。画面左侧男子是作品委托人：勃艮第（Bourgogne）公爵的宰相大臣尼古拉·洛兰（Nicolas Rolin），一位举足轻重的政治人物。他面朝身着红色裙服的圣母玛利亚，跪下祈祷。圣母的膝头上是作出降福姿势的圣婴耶稣。
这幅绘画是当时最伟大的佛兰德画家——扬·凡·埃克（Jan Van Eyck）在约1435年完成的作品。画面左侧的男子是作品委托人：勃艮第（Bourgogne）公爵的宰相大臣尼古拉·洛兰（Nicolas Rolin），一位举足轻重的政治人物。他面朝身着红色裙服的圣母玛利亚，跪下祈祷。圣母的膝头上是做出降福姿势的圣婴耶稣。
扬·凡·埃克笔下的宰相尼古拉·洛兰跪在圣母和圣婴的面前。宰相身着以毛皮饰边的锦缎华服，体现出其在公国朝廷里的尊贵地位。整幅画以中间的组成部分形成构图：三道拱孔构成了光源口。左侧的凡人，即宰相洛兰，双手支在裹着天鹅绒的祈祷桌上祈祷，右侧是圣人，即耶稣和圣母。圣母端坐在大理石宝座之上，身着饰有宝石的宽大刺绣袍服。画面左侧是几根庭柱，其上方的柱头展现了《旧约》中描述人类所犯错误的场景：亚当和夏娃因为违背了上帝的旨意而被逐出天庭；他们的儿子亚伯被妒火中烧的兄长该隐所杀；诺亚藏身在方舟之中，躲避上帝为了惩诫人类的罪过而降下的滔天洪水……目光逐渐引至远景画面，亦被穿流而过的河流一分为二。左边的人间描绘了城市和郊外的乡村。右边则隐指天界，从圣婴耶稣身后的教堂大钟即可看出。这种对凡人世界和神界的划分反映出整幅画的构图原则。它们都属于被若干构图细节象征性分开的世界。
《画家与女儿像》是法国画家伊丽莎白·路易丝·维瑞的油画作品，维瑞·勒布伦夫人的肖像画的艺术特色，在于她善于抓住最足以反映人物个性最能使人感动的一瞬间，给以完美而充分的刻画。
《画家和她的女儿》是作者最出色的代表作，也是她的自我写照。肖像画的特点在这幅作品中都得到了充分的体现。这是她32岁时所作，十分潇洒优雅。女画家装束朴素典雅，端庄秀丽，目光温柔而深情。她俯身坐着，双臂围抱着女儿的脸。女儿天真可爱，把脸紧贴母亲，搂着妈**脖子，显得无限妩媚。作品将母女之爱、亲子之情画得十分动人，也表现了画家自己的温婉多情。构图采用了稳定匀称的三角形，色彩雅致和谐，线条优美洗练，背景不加任何陪衬，更突出了主题。画家与女儿像1789年伊丽莎白·路易丝·维瑞法国布上油画130×94CM巴黎卢浮宫藏。
伊丽莎白·路易丝·维瑞(1755-1842)是路易十六时代法国最杰出的女画家。她是著名肖像画家巴斯特尔·维瑞的女儿，在家庭影响下从小酷爱绘画，并成为名画家格瑞兹(1725**1805打破的水壶打破的水壶的作者)的学生。后来嫁给古画收藏家、同时也是画家和画商的勒布伦，从而以“维瑞·勒布伦夫人”之名活跃于画坛。她天赋极高，生性聪慧，又受父亲、师长和丈夫的熏陶与帮助，终于成为为数较少的女性画家中最著名的一位。她生活在洛可可艺术统治的年代，但她厌恶那种浮夸的矫揉的庸俗画风，倾向新古典主义风格。1779年，她被邀请到凡尔赛王宫为王后玛丽·安东奈蒂画像，从而声誉鹊起，名闻遐迩。法国大革命时期，她流亡国外十二年，曾先后到过意大利、奥地利、普鲁士、俄国、英国、瑞典，以画肖像为生。当时欧洲各国都以能得到她所画的肖像而感到荣幸。她在法国时，曾经被选为法兰西皇家绘画雕塑学院院士，在国外，她又获得俄国彼得堡美术学院“荣誉教师”的称号。1801年返回巴黎，仍致力于肖像画，现在共存有八百多幅作品。晚年她不再画画，而是专注于回忆录的写作……
吉卜寨女郎是一副现实主义布面油画，弗兰斯·哈尔斯（荷兰）现藏巴黎卢浮宫藏。
画家在这幅画中采用了明快的大笔触，以加强形象的表现力，并有意给这个到处漂泊的穷苦女郎增加快乐的情绪，以表现吉卜寨少女的热情、豪爽。这幅画与其说是肖像，不如说更像一幅风俗画。画中少女没有宫廷女性的矫揉造作，没有思想束缚，充满民间气息。画家以敏锐的观察力、娴熟的技巧和热烈的色调，把这个吉卜寨少女表现得神采飞扬，栩栩如生。
这幅肖像标志着柯罗在人物画上的风格的衡定统一性，那就是始终以和谐和完整的艺术形象，使画面产生诗一般清新、浓郁的气氛，也如他的风景画那样。
此画作是一幅色彩优美的肖像杰作，它描绘一个戴着用树叶编的“花环”的青年女子。一片树叶在她的前额投下了影子，观众把这个影子误认作珍珠。这虽是一个错觉，却包含着对这幅画的真理性的判断。
左拉肖像马奈油画1868年145×114厘米现藏巴黎卢浮宫
画中马奈有意在环境配置上安放有意义的画幅和书籍：诸如日本浮世绘、花鸟屏风、《奥林比亚》的印刷品，这都表明他们共同的艺术信条。书籍中有左拉的评论文集等，这些环境描绘向人们展示他们之间的友谊及左拉对他的支持。画面仍采用近乎平面化的单纯色块、强烈的明暗对比、不求圆浑的立体感，以最小限度的立体层次来造型，将画面主体部分的面孔、手和书本等置于光亮处，明暗之间没有过渡中间色调，以截然转换方式形成明和暗的强烈对比但并不生硬，反而衬托出主体部分更引人注目，以此画法来对抗古典主义传统造型方法。
当马奈的画受官方和古典主义维护者的猛烈抨击时，年轻作家左拉勇敢地写评论为其辩护，他曾写道：“我们前一辈人嘲笑了库尔贝，到了今天，我们都在他的画前流连忘返；今天又在嘲笑马奈，将来又该在他的画前出神羡慕了。马奈先生一定是巨匠，我对此坚信不移。”马奈为报答左拉，特地在自己的画室为他画了这幅肖像。
农民之家路易·勒南1648年油画113×159厘米现藏巴黎卢浮宫
画中人物均衡地排开，面向着观众，每一个形象都富有个性表现。画家在描写农民形象及其生活时，不作任何掩饰，恶劣的农村环境，贫困的物质生活，终年劳碌在土地上的老人、为了温饱而操劳的瘦削老妇（在左侧），衣衫破旧、光着双脚的小姑娘，都画得精细异常，感人至深，使观者有一种肃然的可信感。
勒南兄弟（Le Nain, Antoine, Louis and Mathieu），安托万·勒南（Antoine Le Nain）、路易·勒南（Louis Le Nain）与马蒂厄·勒南（Mathieu Le Nain）兄弟三人是法国的三位农民画家。安托万·勒南（Antoine Le Nain约1588～1648）生地不详，1648年5月25日卒于巴黎。最年长，是勒南兄弟画室的领袖。路易·勒南（Louis Le Nain约1593～1648）生于拉昂，1648年5月23日卒于巴黎。成就最大，最为驰名,早年可能到过意大利,受到卡拉瓦乔主义艺术的影响。马蒂厄·勒南（MathieuLeNain1607～1677）1607生于拉昂，1677年4月20日卒于巴黎。他的作品和两位哥哥的作品略有不同，风格较为华丽，有的美术史家把他称作为“良好社会的肖像画家”。由于他们兄弟三人作画，在画上只签勒南字样,所以后人很难把他们的作品区分开。勒南兄弟的故乡是拉昂，1629年他们迁居巴黎,并设画室,专门画表现日常生活的风俗画和肖像画，尤善于描绘农村题材。他们是法国17世纪上半叶与宫廷古典主义艺术相对立的画家，是法国卡拉瓦乔主义艺术的杰出代表，一些古典主义的批评家不满意他们的艺术，把他们叫做是“风格卑劣而人物简陋的画家”。尽管受到诸多责难，可是他们仍然坚持了现实主义的道路，并创作出大量朴实、真挚、有着浓郁生活和时代气息的作品。他们的代表作品有：《割草归来》(1641)、《铁匠铺》(约1641)、《农家室内》(1640～1645)、《卖牛奶妇的一家》(1640～1645)、《幸福家庭》（1642）。值得特别提出的两幅画，是L.勒南的《铁匠铺》与《卖牛奶妇的一家》。
潘多拉魔瓶前的夏娃古赞法国木板油画约1550年150×97.5cm巴黎卢浮宫藏
古赞是枫丹白露画派中享有盛誉的画家。他的代表作《潘朵拉魔瓶前的夏娃》有出色的想象力，把从来都以狼狈而逃的形象出现的人类祖先夏娃画成安详高雅的女神模样，可惜的是那侧卧的女人体实在不能不令人想到提香的力作《乌尔宾诺的维纳斯》。作者让·古赞（jean cousin the elder，约1490～1561）枫丹白露派画家。
皇后约瑟芬在丛林中普吕东法国1805年244x179cm布油彩巴黎卢浮宫
皇后约瑟芬是拿破仑的妻子，由于画家得到拿破仑的器重而允许为他妻子画像。画家为了表现皇后的美丽、端庄，曾反复研究画了大量的草图，最后于1805年完成这幅传世肖像杰作。画家将皇后安排在马尔梅松城堡花园一角的树林间，皇后斜靠在石椅上，左手托着头陷入沉思之中，她上身着袒胸露肩的透体薄纱长裙，一条红色镶着花边的大氅垫着石椅又翻盖在膝上，画家着意描绘皇后修长丰满圆浑的身体，突出那娇嫩的肢体和胸部，借以表现古典美质，但没有罗可可那种宫廷妇女的华贵气息。
人物面貌和神情及所处的环境，隐含一种冷落感，约瑟芬那深思的面容，似乎在向世人表白她无法诉说的心境。古典主义画家普吕东在这幅肖像中，表明他已迈向浪漫主义。
钢琴家萧邦德拉克洛瓦法国1838年布面油画45.7×37.5厘米巴黎卢浮宫藏
德拉克洛瓦为他的好友波兰钢琴家萧邦﹝Frederic Chopin﹞画这幅画，但是它尚未完成。据说《钢琴家萧邦》与《作家乔治桑》﹝George Sand﹞这两幅画原来是一张画的。萧邦和乔治桑同居在乡间的时候，德拉克洛瓦来访问他们，并且感觉到家的温暖，因此为他们一起画了这幅画。但是后来这件画的所有者将他们两人分别割下来当作是两幅画来卖，因为两幅画的价钱比原来的一幅价钱要高。
大宫女安格尔法国1814年布面油画91x162cm巴黎卢浮宫藏
这幅《大宫女》是世界人体名画的巅峰之作，是安格尔画的土耳其宫中宫女闺房生活的情景，具有浓郁的东方情调。首先，就新古典主义绘画风格而言，它破坏了色彩的”音域”，背景的蓝色与皮肤的淡黄色，人体的明暗与粉红色调等，都显得极不谐调；其次，女裸体态的夸张，成了变形美的试验。就此而言，安格尔显示了自己艺术的独立性和美学信念的独立性。倘若从历史的角度去看，安格尔的探索勇气是值得称道的。
·奥古斯特·多米尼克·安格尔（Jean Auguste Dominique Ingres，1780—1867），是继大卫之后法国新古典主义画派的最后代表。安格尔出生于法国西南部，从小就受到良好的艺术熏陶，在美术和音乐方面都颇有天赋。安格尔17岁到大卫画室学习，得到真传。两年后考入美术学院，获罗马大奖。5年后去罗马，把拉斐尔作为毕生崇拜的对象。其作品工整细致，用色鲜明和谐。曾两次去意大利长时间研究古典美术；在本国曾任巴黎艺术学院的教授多年。安格尔的声誉如日中天时，也正是古典主义面临终结，浪漫主义崛起的时代，他和新生的浪漫主义代表人德拉克洛瓦之间发生许多次辩论，浪漫主义强调色彩的运用，古典主义则强调轮廓的完整和构图的严谨，安格尔把持的美术学院对新生的各种画风嗤之以鼻，形成学院派风格。
岩间圣母达·芬奇意大利祭坛画1500年199x122cm巴黎卢浮宫藏
画家在这一幅画上没有受宗教题材的局限，而以一种世俗的生活感情去表现这一主题。为了使人物充满一种天伦之爱，他把这种耶稣与约翰的所谓神圣会见，改变成两个天真的孩子在水边戏耍。但为了点明宗教题意，又不得不从动作上作些注解，如小耶稣用右手指着约翰，似乎在说：你暂且许我……。约翰也做出拱手向耶稣请安的样子。右侧坐在地上的天使，作为自天而降来到人间的美丽使者，她的形象被刻画得最美，脸上展现着达芬奇的微笑公式，右手指着这幕受洗的趣剧，也象亲人一般似乎在庇护他们。
显而易见，画家在这里决心以圣母为中心，赋予画面以庄重、温存和受天庇佑的母爱的感召力，而不是表现某种苦难、艰辛与恐惧的生活坎坷。中间的圣母一手扶着约翰，另一手去抚慰耶稣，体现了人间伟大的母性的力量。作者达·芬奇(Leonardo da Vinci 1452-1519)，全名为莱昂纳多·达·芬奇，是与拉斐尔，米开朗基罗齐名的意大利文艺复兴三杰之一，也是整个欧洲文艺复兴时期最完美的代表。他生于佛罗伦萨郊区的芬奇小镇，因此取名叫芬奇，5岁时能凭记忆在沙滩上画出母亲的肖像，同时还能即席作词谱曲，自己伴奏自己歌唱，引得在场的人赞叹不已。达芬奇是一位思想深邃，学识渊博、多才多艺的画家、寓言家、雕塑家、发明家、哲学家、音乐家、医学家、生物学家、地理学家、建筑工程师和军事工程师。达芬奇是一位天才，人类智慧的象征。达·芬奇最大的成就是绘画，《最后的晚餐》是世界最著名的宗教画，《蒙娜丽莎》则为世界上最著名、最伟大的肖像画。这两件誉满全球的作品使达·芬奇的名字永垂青史。达芬奇还擅长雕刻、音乐，通晓数学、生理、物理、天文、地质等科，既多才多艺，又勤奋多产，保存下来的手稿大约有6000页。达芬奇晚年极少作画，潜心科学研究，他一生完成的绘画作品并不多，但件件都是不朽之作。其作品具有明显的个人风格，并善于将艺术创作和科学探讨结合起来，这在世界美术史上是独一无二的……
美丽的费罗尼埃达芬奇意大利木板油彩画1490-1496年62x44cm巴黎卢浮宫藏
这幅又被称为《戴头饰的女人》的画，是达芬奇主要四幅有关女性作品中的一幅，其余是《蒙娜丽莎》、《吉内芙拉·德本奇》和《抱银貂的女子》。她没有蒙娜丽莎神秘，却比蒙娜丽莎沉静。她穿越时光，从文艺复兴时代来到现在，她宁静如晨曦中的湖面，她用深邃目光征服时间。一丝不苟的发丝，与发间、颈上、额上的黑色装饰浑然一体，让妆容更庄重、安静。作者：付顺利